La danza Afro-Americana es el resultado del encuentro de varias culturas desde el momento de la llegada de los Europeos con barcos de esclavos a distintos puertos del continente Americano.
Las combinaciones han variado según el origen de los esclavos Africanos y la fusión con grupos Españoles, Portugueses, Ingleses, etc.. y las culturas locales que ya habitaban en este continente.
Quizás la cultura del Candomble y el Samba en Brasil así como la de la Santería en Cuba son los mas conocidos y representativos del continente entero. De todas formas los tambores Venezolanos, la Cumbia Colombiana, el Candombe de Uruguay y Argentina, las danzas Afro-Peruanas, la Saya Boliviana, los Palos Dominicanos, la Punta de Honduras, Guatemala y Belize, las danzas del culto a Shango de Trinidad y Tobago y las danzas del Vudu de Haiti, son algunos ejemplos de la clara influencia Africana.
A la vez hay casos como el Tango Argentino y Uruguayo, la Salsa y el Merengue del Caribe y las danzas folkloricas de América entera en donde la influencia es mas sutil y a veces solo aparece un tambor de origen africano o la sincopa del ritmo delata el origen.
Algunos ejemplos en video:
http://www.youtube.com/watch?v=T45gOJKxthA
http://www.youtube.com/watch?v=t99vb-2g5Yc
http://www.youtube.com/watch?v=9dlSVHZtQ_A
http://www.youtube.com/watch?v=w1YgesjyCgw
Otros enlaces:
http://www.revistaquilombo.com.ar/revistas/15/q15.htm
http://www.juanperez.com/musica/danzas.html
http://www.conexioncubana.net/index.php?st=content&sk=view&id=778&sitd=305
http://www.mujereshoy.com/secciones/2740.shtml
miércoles, 16 de abril de 2008
Folcklore Africano
Por el momento es dificil encontrar un artículo que realmente represente el basto contenido de este tema. Africa, en su inmensidad, tiene grandes variedades de estilos y sería muy limitado agruparlos para entender su concepto.
En todo caso las danzas de origen Africano (y estamos hablando del folklore) así como todas las danzas de los pueblos originales, tienen elementos en común ligados probablemente a la escencia misma del hombre y matizados por nuestros "gustos" culturales.
Otros enlaces:
http://www.danza-africana.com/articulos-danza-africana.htm
http://www.ciudaddeladanza.com/biblio/imageneswebbiblioteca/danzasantiguas/dzaafricana/flockloredanzaafricana.htm
En todo caso las danzas de origen Africano (y estamos hablando del folklore) así como todas las danzas de los pueblos originales, tienen elementos en común ligados probablemente a la escencia misma del hombre y matizados por nuestros "gustos" culturales.
Otros enlaces:
http://www.danza-africana.com/articulos-danza-africana.htm
http://www.ciudaddeladanza.com/biblio/imageneswebbiblioteca/danzasantiguas/dzaafricana/flockloredanzaafricana.htm
Improvisación de Contacto
CONTACT IMPROVISACION
por Adrián Olender oadrian@yahoo.com
Contact Improvisation es una técnica de danza que surgió en los años setenta en los Estados Unidos. Sus orígenes y características son narrados en este artículo.
Los Orígenes
A principios de los años 70 en los Estados Unidos surge una nueva forma de danza denominada "Contact Improvisation". Este hecho formó parte de las experiencias sociales de comunitarismo e igualitarismo que sucedieron simultáneamente en diversas organizaciones sociales y políticas. Un grupo de hombres liderados por Steve Paxton comenzaron investigando la cualidad refleja del toque, los impulsos, las caídas, las roladas y los choques. Esta experiencia conocida por el nombre de "Magnesium" fue el inicio de una forma de danza que hasta el día de hoy esta en constante desarrollo, cambio y crecimiento. Tanto su creador, Steve Paxton como los primeros "contacters" venían del campo de la danza moderna, sin embargo, han tomado elementos e ideas de técnicas tales como el Tai chi Chuan y el Aikido. Muchos de sus participantes sentían que formaban parte un movimiento social mas amplio cuya ideología rechazaba los roles sexuales tradicionales y las jerarquías sociales. Los bailarines se concentraban mas en la percepción interna del movimiento y en el contacto con el otro más que en las formas y rutinas de movimiento definidas. Ellos consideraban que el contacto y la interacción con otra persona de igual o diferente sexo, tamaño, origen, etc. era una manera de construir y tener una nueva experiencia del Yo.
La manzana de Newton Cuando una manzana cayó sobre su cabeza, Isaac Newton, se inspiró para describir las tres leyes del movimiento. Muchos años después un grupo de personas investigaría como se siente "ser la manzana". Los bailarines ponen en movimiento la masa corporal para ir mas allá del constante llamado de la gravedad hacia la oscilación y el orbitar invitante de la fuerza centrifuga. La esencia de la improvisación reside en descubrir que es posible superar la tercera ley de Newton descubriendo que para cada acción ejercida por un cuerpo existe no solo una reacción igual y opuesta en el otro cuerpo (ley de acción y reacción) sino que para cada acción son posibles varias y diferentes reacciones iguales y opuestas.
De La pequeña a la Gran Danza
Estar simplemente de pie en contacto con la tierra fue uno de los principales ejercicios de entrenamiento. La mente atenta en el aquí y ahora percibiendo los pequeños movimientos del cuerpo producidos por la gravedad. La tarea es observar los sutiles movimientos de ajuste constante que realiza el cuerpo para impedir su caída. Esta "Pequeña Danza" es una forma de meditación que calma y prepara al ser para las complejas interacciones con otro cuerpo a partir de una zona de contacto. A partir del toque, los cuerpos se comunican, juegan a moverse y ser movidos, exploran formas de tratar el impulso y la gravedad. Cada danza implica una serie de decisiones instantáneas. La piel esta sensible, la mente alerta y atenta. Las percepciones se amplían. El calor aumenta y ambos cuerpos se adrenal izan. La gran danza comienza. Los propios movimientos son estimulados y producidos por los movimientos del otro. Esta es la base del dialogo cuyos códigos son desde los sutiles toques hasta el dar y recibir el peso de toda la masa corporal.
STEVE PAXTON
La siguiente entrevista fue realizada por Nancy S. Smith en la primavera de 1994 en el Jam y conferencia sobre "Contact Improvisation: La forma" en los manantiales de aguas termales en Breitenbush, Oregon, USA. Fuente: Contact Quarterly
Que te ha permitido inventar la forma que nosotros llamamos Contact Improvisation?
Steve: Yo no invente nada. Solo cree el nombre y el proceso para estudiarlo. Yo fije la forma desarrollada.
Es el CI un estado de la mente? Y si lo es, podrías definir ese estado mental?
Steve: Toda disciplina comienza desde la percepción. Los estados mentales son causados por las percepciones y/o los estados mentales determinan las percepciones. CI es un estado de mente de improvisación. El contacto no es un estado de mente pero si un evento físico exterior. Son dos combinaciones, estado mental y contacto, como los círculos que se forman cuando dos piedras son arrojadas a un charco.
Porque pensás que la gente tiene semejante anhelo y deseo de practicar CI?
Steve: El toque es esencial para la salud, nutrición, el desarrollo mental y maduración emocional del niño. Mucha gente no ha recibido lo suficiente, o bien, continua beneficiándose cuando es adulto.
Crees que practicando CI el cuerpo físico se convierte en adicto al contacto físico?
Steve: Adicción ? Somos adictos por preferir aire fresco o comida sana?
Como te Sentís cuando el CI es usado en el campo de la danza "postmoderna"?
Steve: A quien le inquieta ?
Alguna otra forma de danza puede ayudar a desarrollar las habilidades del CI?
Steve: Todas.
Que es la "pequeña danza"?
Steve: Entonar con la gravedad. Los reflejos adaptan a nuestro esqueleto alineando pesos y proporciones para mantenernos parados. Observar la pequeña danza da a nuestra mente la manera de entonar con la velocidad de los reflejos.
La respiración y el latido del corazón son una "pequeña danza"?
Steve: Son mas que eso pero también son otra manifestación de un aspecto de la mente en la cual es negado el acceso directo de la conciencia.
En que etapa de tu vida dancística estabas. Porque has sido más influenciado
Steve: Aikido, meditación, gimnasia, técnicas de improvisación, la tensión urbana de Nueva York, el arte abstracto, la "forma" como principio de control, el trabajo de Simone Forti, una observación de Agnes Martin "la única cosa que quedo de la naturaleza en Nueva York es la gravedad ".
Es el CI una práctica espiritual ? Y si lo es, como pueden sus principios ser mas efectivos y crear relaciones correctas en el mundo?
Steve: Toda danza es una práctica espiritual (debido a la conciencia momentánea). Es por esto que la iglesia ha expulsado la danza como un arte religioso acreditado. Mas allá de que sea o no una práctica espiritual, es un juego que requiere dos personas para ganar.
Que función tiene el CI en la sociedad?
Steve: Habiendo comenzado en centros urbanos intervino en la alterada vida física de los habitantes/prisioneros. Propagándose, lleno el vacío impuesto por la sociedad. La sociedad tiene la necesidad de influenciar el cuerpo físico de sus miembros. Desatado el nudo de regimentación y reglamentación, se libera un potencial antiguo, periférico, desconocido, impenetrable y familiar
Fuente: http://www.contactquarterly.com/
Tomado de http://www.luciernaga-clap.com.ar/articulosrevistas/1_contactimp.htm
Otros enlaces
http://www.contactimprov.net/
http://www.contactimprovisation.co.uk/
por Adrián Olender oadrian@yahoo.com
Contact Improvisation es una técnica de danza que surgió en los años setenta en los Estados Unidos. Sus orígenes y características son narrados en este artículo.
Los Orígenes
A principios de los años 70 en los Estados Unidos surge una nueva forma de danza denominada "Contact Improvisation". Este hecho formó parte de las experiencias sociales de comunitarismo e igualitarismo que sucedieron simultáneamente en diversas organizaciones sociales y políticas. Un grupo de hombres liderados por Steve Paxton comenzaron investigando la cualidad refleja del toque, los impulsos, las caídas, las roladas y los choques. Esta experiencia conocida por el nombre de "Magnesium" fue el inicio de una forma de danza que hasta el día de hoy esta en constante desarrollo, cambio y crecimiento. Tanto su creador, Steve Paxton como los primeros "contacters" venían del campo de la danza moderna, sin embargo, han tomado elementos e ideas de técnicas tales como el Tai chi Chuan y el Aikido. Muchos de sus participantes sentían que formaban parte un movimiento social mas amplio cuya ideología rechazaba los roles sexuales tradicionales y las jerarquías sociales. Los bailarines se concentraban mas en la percepción interna del movimiento y en el contacto con el otro más que en las formas y rutinas de movimiento definidas. Ellos consideraban que el contacto y la interacción con otra persona de igual o diferente sexo, tamaño, origen, etc. era una manera de construir y tener una nueva experiencia del Yo.
La manzana de Newton Cuando una manzana cayó sobre su cabeza, Isaac Newton, se inspiró para describir las tres leyes del movimiento. Muchos años después un grupo de personas investigaría como se siente "ser la manzana". Los bailarines ponen en movimiento la masa corporal para ir mas allá del constante llamado de la gravedad hacia la oscilación y el orbitar invitante de la fuerza centrifuga. La esencia de la improvisación reside en descubrir que es posible superar la tercera ley de Newton descubriendo que para cada acción ejercida por un cuerpo existe no solo una reacción igual y opuesta en el otro cuerpo (ley de acción y reacción) sino que para cada acción son posibles varias y diferentes reacciones iguales y opuestas.
De La pequeña a la Gran Danza
Estar simplemente de pie en contacto con la tierra fue uno de los principales ejercicios de entrenamiento. La mente atenta en el aquí y ahora percibiendo los pequeños movimientos del cuerpo producidos por la gravedad. La tarea es observar los sutiles movimientos de ajuste constante que realiza el cuerpo para impedir su caída. Esta "Pequeña Danza" es una forma de meditación que calma y prepara al ser para las complejas interacciones con otro cuerpo a partir de una zona de contacto. A partir del toque, los cuerpos se comunican, juegan a moverse y ser movidos, exploran formas de tratar el impulso y la gravedad. Cada danza implica una serie de decisiones instantáneas. La piel esta sensible, la mente alerta y atenta. Las percepciones se amplían. El calor aumenta y ambos cuerpos se adrenal izan. La gran danza comienza. Los propios movimientos son estimulados y producidos por los movimientos del otro. Esta es la base del dialogo cuyos códigos son desde los sutiles toques hasta el dar y recibir el peso de toda la masa corporal.
STEVE PAXTON
La siguiente entrevista fue realizada por Nancy S. Smith en la primavera de 1994 en el Jam y conferencia sobre "Contact Improvisation: La forma" en los manantiales de aguas termales en Breitenbush, Oregon, USA. Fuente: Contact Quarterly
Que te ha permitido inventar la forma que nosotros llamamos Contact Improvisation?
Steve: Yo no invente nada. Solo cree el nombre y el proceso para estudiarlo. Yo fije la forma desarrollada.
Es el CI un estado de la mente? Y si lo es, podrías definir ese estado mental?
Steve: Toda disciplina comienza desde la percepción. Los estados mentales son causados por las percepciones y/o los estados mentales determinan las percepciones. CI es un estado de mente de improvisación. El contacto no es un estado de mente pero si un evento físico exterior. Son dos combinaciones, estado mental y contacto, como los círculos que se forman cuando dos piedras son arrojadas a un charco.
Porque pensás que la gente tiene semejante anhelo y deseo de practicar CI?
Steve: El toque es esencial para la salud, nutrición, el desarrollo mental y maduración emocional del niño. Mucha gente no ha recibido lo suficiente, o bien, continua beneficiándose cuando es adulto.
Crees que practicando CI el cuerpo físico se convierte en adicto al contacto físico?
Steve: Adicción ? Somos adictos por preferir aire fresco o comida sana?
Como te Sentís cuando el CI es usado en el campo de la danza "postmoderna"?
Steve: A quien le inquieta ?
Alguna otra forma de danza puede ayudar a desarrollar las habilidades del CI?
Steve: Todas.
Que es la "pequeña danza"?
Steve: Entonar con la gravedad. Los reflejos adaptan a nuestro esqueleto alineando pesos y proporciones para mantenernos parados. Observar la pequeña danza da a nuestra mente la manera de entonar con la velocidad de los reflejos.
La respiración y el latido del corazón son una "pequeña danza"?
Steve: Son mas que eso pero también son otra manifestación de un aspecto de la mente en la cual es negado el acceso directo de la conciencia.
En que etapa de tu vida dancística estabas. Porque has sido más influenciado
Steve: Aikido, meditación, gimnasia, técnicas de improvisación, la tensión urbana de Nueva York, el arte abstracto, la "forma" como principio de control, el trabajo de Simone Forti, una observación de Agnes Martin "la única cosa que quedo de la naturaleza en Nueva York es la gravedad ".
Es el CI una práctica espiritual ? Y si lo es, como pueden sus principios ser mas efectivos y crear relaciones correctas en el mundo?
Steve: Toda danza es una práctica espiritual (debido a la conciencia momentánea). Es por esto que la iglesia ha expulsado la danza como un arte religioso acreditado. Mas allá de que sea o no una práctica espiritual, es un juego que requiere dos personas para ganar.
Que función tiene el CI en la sociedad?
Steve: Habiendo comenzado en centros urbanos intervino en la alterada vida física de los habitantes/prisioneros. Propagándose, lleno el vacío impuesto por la sociedad. La sociedad tiene la necesidad de influenciar el cuerpo físico de sus miembros. Desatado el nudo de regimentación y reglamentación, se libera un potencial antiguo, periférico, desconocido, impenetrable y familiar
Fuente: http://www.contactquarterly.com/
Tomado de http://www.luciernaga-clap.com.ar/articulosrevistas/1_contactimp.htm
Otros enlaces
http://www.contactimprov.net/
http://www.contactimprovisation.co.uk/
Flamenco
¿Qué es Flamenco?
Flamenco es un arte que se presenta en dos variantes: Musica y Baile. En la musica, el Cante y la Guitarra ocupan el papel fundamental, aunque existen otros instrumentos (como la percusión) y acompañamientos (como las palmas) que generalmente estan presentes y juegan un papel muy importante.
El Baile es muy expresivo y cada parte del cuerpo ha de moverse de forma coordinada: Los pies, las piernas, las caderas, el talle, los brazos, las manos, los dedos, los hombros, la cabeza ...
Para aprender flamenco, como en otras manifestaciones artisticas, son necesarios dos ingredientes: Alma y técnica, y esto no resulta meta facil cuando consideramos que el Flamenco es muy rico y complicado. Se pueden contar más de 50 "Palos" del Flamenco. Cada "Palo" tienen su propio ritmo, su propia armonía y, en caso de que sea un palo bailable, cada cual será una danza diferente.
Para simplicar, podríamos agrupar los Palos en dos grupos o estilos:
1) Flamenco Jondo (=hondo), un estilo serio que expresa sentimientos profundos y con frecuencia trágicos. Aquí se tratan temas como el amor, el desengaño o la pena, y se baila con una expresión muy profunda e intimista. Es por ello que es el más dificil de comprender para aquellos que no están iniciados en el flamenco, y se representa más frecuentemente en circulos de expertos o en salas de teatro o concierto. Ejemplos de Jondo son: Bulerias, Farruca, Martinete, Minera, Petenera, Soleá y Tiento.
2) Flamenco Festero es un arte más alegre. Como la misma palabra lo dice, se interpreta en las fiestas y celebraciones en Andalucía. Los temas tratados son alegres, ya sean sobre el amor y los sentimientos, ya sean evocando lugares, fiestas y escenarios flamencos, o incluso a veces cómicos. Ejemplos del Flamenco Festero son: las Sevillanas, la Rumba, los Tangillos y las Alegrías.
Naturalmente hay muchos palos y muchas interpretaciones que no son faciltemente catalogables. En cualquier caso, lo que si es común a todo el Flamenco es que es sentimiento. Y para expresar dicho sentimiento, el Flamenco usa formas muy fuertes, que generalmente no dejan frio a nadie; uno puede amar o puede odiar el flamenco.
Historia del Flamenco
1) Origenes del Flamenco
Sobre sus origenes o influencias, solo podemos aventurarnos, pues la primera noticia escrita sobre el flamenco se encuentra en 1774 en una de las Cartas Marruecas de Cadalso. El unico dato conocido, por transmisión oral, es que se trata de un arte muy antiguo y que encuentra su cuna en Andalucía, en la rivera del Guadalquivir.
Curiosamente a las orillas de este río, es donde se sitúa a la más antigua civilización Iberica, la de los Tartesos. Según fuentes historicas, gozaban de una muy alta cultura, y eran muy aficionados a la musica y al baile, aunque hoy no conocemos como eran su musica o su baile.
Otra base sobre la que no cabe duda, es que en el Flamenco encontramos numerosas influencias de culturas muy diversas. Esto no es una sorpresa cuando sabemos que por esta tierra pasaron las más diversas civilizaciones y culturas. Fenicios, griegos, cartaginenses, romanos, judios, moros, godos y gitanos se han ido durante siglos asentado en esta tierra, y con seguridad estas influencias han sido absorbidas en la musica y en el baile.
En escritos griegos encontramos el estilo melismático como característica típica del canto del sur de España, este estilo tambien lo tiene hoy el Flamenco. De la epoca romana, encontramos las reseñas de Marcial y Juvenal sobre las Puellae Gaditanae, jovenes procedentes de Gades, la colonia que fundaron los fenicios en el territorio de la que hoy es Cádiz, ciudad que también tenía una cultura griega bastante asimilada. Estas bailarinas, que formaban compañia con musicos acompañantes, llegaron a ser muy apreciadas en la aristocracia y alta burguesía romana, que las contrataban como punto álgido de sus fiestas privadas o para espectáculos públicos. Curioso es, que en los relieves, aparecen las Puellae Gaditanae con castañuelas, y con posiciones de pies y de brazos idénticas a las del flamenco actual. Quizás se trate sólo de una coincidencia, o que este modo de bailar era común a toda la cuenca del Mediterraneo, y hoy lo conocemos sólo del Flamenco.
Otras teorias apuntan que la Seguiriya, la Saeta y el Fandango encuentran su cuna en la liturgia semita. Estos son datos que hoy no podemos comprobar, sin embargo los parecidos son evidentes, como también lo oimos en otros palos, donde los acordes nos recuerdan a los alegres ritmos judios.
Otra influencia, que por evidente no ha creado mucha polémica, es la que se remonta a la edad media, en la época de la España musulmana: La música Andalusí, resultante de la fusion de la musulmana procedente del norte de Africa, con la cristiana y judia, ya existentes en la peninsula. Aquí la influencia mora vino de nuevo a enriquecer el estilo. La Granaina con su indiscutibile origen moruno, o la Zambra, que es un vocablo que originalmente designaba las antiguas reuniones de musicos andalusies, son claros exponentes de esta influencia.
La influencia gitana la encontramos tanto en el baile como en la música. Algunos caracteres del baile son muy similares a los de las regiones asiaticas de las que proceden los gitanos. También los ritmos flamencos no europeos tienen carácteres que hoy sólo encontramos en la música India.
Y de este modo podríamos seguir aventurandonos a apuntar las variadas influencias u origines. Pero en cualquier caso, lo que es evidente, es que el Flamenco durantre su larga historia ha sido permeable a las más variadas influencias, y que es tan puro como mestizo.
2) Evolución del Flamenco a partir de 1765
Haciendo un recorrido somero en lo que fuera la evolución del flamenco tal como lo conocemos hoy día, ya documentado y tratado profesionalmente, podemos comenzar por una época mucho más reciente: Entre 1765 y 1860. En esta época encontramos tres focos de importancia que crearían escuela: Cadiz, Jerez de la Frontera, y el barrio de Triana, en Sevilla. Es a partir de esta época cuando el baile flamenco, empieza a tener un sitio entre los bailes españoles que se desarrollan en las escuelas, representandose frecuentemente en patios, ventas y salones privados cuando se celebraban fiestas.
En lo que se refiere a la guitarra, al principio no solía acompañar al cante, que normalmente se realizaba a palo seco, sin más acompañamiento que el toque de palmas. Algunos compositores, como Julián Arcas, comienzan a componer temas con sonidos flamencos que iniciarían una nueva era.
Entre 1860 y 1910 se ingresa en una época más prolífica que se ha llegado a llamar La Edad de Oro del Flamenco. En esta época florecen los cafés cantantes, desarrollando el flamenco todas sus facetas; la instrumental, la de cante y la de baile, hasta fijar definitivamente lo que pudieramos considerar clasicismo de lo "jondo". El baile adquiere un esplendor sin precedentes, siendo éste el mayor atractivo para el público de estos cafés cantantes y se da un gran impulso a la guitarra, como complemento fundamental e indispensable para el cante y para el baile.
Entre 1910 y 1955, el cante esta marcado por lo que ha llegado a llamarse la etapa de la Opera Flamenca donde mandan los cantes más ligeros como los fandangos y cantes de ida y vuelta (de influencia sudamericana, que trajeron los cantaores que habían sido emigrantes en Latinoamerica). Este camino nuevo que habia tomado el flamenco no gusta a todo el mundo y en 1922 un grupo de intelectuales, como Falla y otros artistas de la Generación del 27 crean en Granada un Concurso, con la finalidad de buscar nuevos valores que cultiven el cante jondo auténtico.
A partir de 1915, se produce un ciclo de baile teatral de excepcional calidad, llevando el baile español y flamenco por todos los escenarios del mundo.A partir de 1955 nos encontramos con un Renacimiento del Flamenco, siendo Antonio Mairena su figura principal, con ese rigor interpretativo y su afan investigador y de divulgación de la ortodoxia del cante.
El baile en esta época se desarrolla en los tablaos, que son los herederos de los cafés cantantes anteriores, contando con verdaderas personalidades del baile, que alternan sus actuaciones no sólo en los tablaos, sino en teatros, festivales y otros escenarios.
Los guitarristas, acompañando al cante y al baile adquieren un mayor protagonismo, alcanzando este arte su madurez. El guitarrista es actualmente no sólo acompañamiento, sino solista. Paco de Lucía marca el inicio de una nueva etapa de esplendor sin precedentes, dando a la guitarra una dimensión universal. Junto a él habria que citar a otros que verdaderos virtuosos de este instrumento, como Manuel Cano, Victor Monge Serranito y Manolo Sanlucar.
El Flamenco hoy
El flamenco sigue evolucionando para convertirse en universal.
De un lado notamos nuevas tendencias de mestizaje con otros estilos musicales de la mano de algunos artistas. A este punto hay bastante polémica; entre los defensores de la conservación de la ortodoxia flamenca, (como ya en su día lo hiciera Falla, y que sirvió para conservar tan valioso patrimonio), y otros más interesados en su evolución y su permeabilidad.
De otro lado, importantes artistas han llevado el Flamenco por los cinco continentes, llegando a una nueva era donde los medios de comunicación son testigos de su gracia, su fuerza y su duende. Por ello no podemos ya más afirmar que el Flamenco es una manifestación artística exclusivamente de Andalucía (como no podemos ya decir que el Jazz es una musica exclusivamente de New Orleans), pudiendo hoy asistir en Andalucía a espectáculos del más auténtico purismo y clasicismo flamenco interpretados por una bailaora japonesa o un guitarrista italiano, ante el respeto de un gran público de entendidos, al mismo tiempo que los más grandes artistas andaluces llevan el flamenco a importantes escenarios en todo el mundo.
Naturalmente sigue siendo Andalucía la capital del flamenco, donde más concentrado se encuentra y donde con más frecuencia se puede disfrutar este arte en su más pura manifestación. Y al ser una música íntima por antonomasia, donde mejor se sentirá, será en ese circulo pequeño de amigos, donde sólo se encuentran la guitarra, la voz, y ese cuerpo bailando en una madrugada, y esto es lo que llamamos "una juerga flamenca".
Tomado de http://www.red2000.com/spain/flamenco/1index.html
otros enlaces:
http://www.flamenco-world.com/magazine/about/historia_del_flamenco/ehistori09092004.htm
Flamenco es un arte que se presenta en dos variantes: Musica y Baile. En la musica, el Cante y la Guitarra ocupan el papel fundamental, aunque existen otros instrumentos (como la percusión) y acompañamientos (como las palmas) que generalmente estan presentes y juegan un papel muy importante.
El Baile es muy expresivo y cada parte del cuerpo ha de moverse de forma coordinada: Los pies, las piernas, las caderas, el talle, los brazos, las manos, los dedos, los hombros, la cabeza ...
Para aprender flamenco, como en otras manifestaciones artisticas, son necesarios dos ingredientes: Alma y técnica, y esto no resulta meta facil cuando consideramos que el Flamenco es muy rico y complicado. Se pueden contar más de 50 "Palos" del Flamenco. Cada "Palo" tienen su propio ritmo, su propia armonía y, en caso de que sea un palo bailable, cada cual será una danza diferente.
Para simplicar, podríamos agrupar los Palos en dos grupos o estilos:
1) Flamenco Jondo (=hondo), un estilo serio que expresa sentimientos profundos y con frecuencia trágicos. Aquí se tratan temas como el amor, el desengaño o la pena, y se baila con una expresión muy profunda e intimista. Es por ello que es el más dificil de comprender para aquellos que no están iniciados en el flamenco, y se representa más frecuentemente en circulos de expertos o en salas de teatro o concierto. Ejemplos de Jondo son: Bulerias, Farruca, Martinete, Minera, Petenera, Soleá y Tiento.
2) Flamenco Festero es un arte más alegre. Como la misma palabra lo dice, se interpreta en las fiestas y celebraciones en Andalucía. Los temas tratados son alegres, ya sean sobre el amor y los sentimientos, ya sean evocando lugares, fiestas y escenarios flamencos, o incluso a veces cómicos. Ejemplos del Flamenco Festero son: las Sevillanas, la Rumba, los Tangillos y las Alegrías.
Naturalmente hay muchos palos y muchas interpretaciones que no son faciltemente catalogables. En cualquier caso, lo que si es común a todo el Flamenco es que es sentimiento. Y para expresar dicho sentimiento, el Flamenco usa formas muy fuertes, que generalmente no dejan frio a nadie; uno puede amar o puede odiar el flamenco.
Historia del Flamenco
1) Origenes del Flamenco
Sobre sus origenes o influencias, solo podemos aventurarnos, pues la primera noticia escrita sobre el flamenco se encuentra en 1774 en una de las Cartas Marruecas de Cadalso. El unico dato conocido, por transmisión oral, es que se trata de un arte muy antiguo y que encuentra su cuna en Andalucía, en la rivera del Guadalquivir.
Curiosamente a las orillas de este río, es donde se sitúa a la más antigua civilización Iberica, la de los Tartesos. Según fuentes historicas, gozaban de una muy alta cultura, y eran muy aficionados a la musica y al baile, aunque hoy no conocemos como eran su musica o su baile.
Otra base sobre la que no cabe duda, es que en el Flamenco encontramos numerosas influencias de culturas muy diversas. Esto no es una sorpresa cuando sabemos que por esta tierra pasaron las más diversas civilizaciones y culturas. Fenicios, griegos, cartaginenses, romanos, judios, moros, godos y gitanos se han ido durante siglos asentado en esta tierra, y con seguridad estas influencias han sido absorbidas en la musica y en el baile.
En escritos griegos encontramos el estilo melismático como característica típica del canto del sur de España, este estilo tambien lo tiene hoy el Flamenco. De la epoca romana, encontramos las reseñas de Marcial y Juvenal sobre las Puellae Gaditanae, jovenes procedentes de Gades, la colonia que fundaron los fenicios en el territorio de la que hoy es Cádiz, ciudad que también tenía una cultura griega bastante asimilada. Estas bailarinas, que formaban compañia con musicos acompañantes, llegaron a ser muy apreciadas en la aristocracia y alta burguesía romana, que las contrataban como punto álgido de sus fiestas privadas o para espectáculos públicos. Curioso es, que en los relieves, aparecen las Puellae Gaditanae con castañuelas, y con posiciones de pies y de brazos idénticas a las del flamenco actual. Quizás se trate sólo de una coincidencia, o que este modo de bailar era común a toda la cuenca del Mediterraneo, y hoy lo conocemos sólo del Flamenco.
Otras teorias apuntan que la Seguiriya, la Saeta y el Fandango encuentran su cuna en la liturgia semita. Estos son datos que hoy no podemos comprobar, sin embargo los parecidos son evidentes, como también lo oimos en otros palos, donde los acordes nos recuerdan a los alegres ritmos judios.
Otra influencia, que por evidente no ha creado mucha polémica, es la que se remonta a la edad media, en la época de la España musulmana: La música Andalusí, resultante de la fusion de la musulmana procedente del norte de Africa, con la cristiana y judia, ya existentes en la peninsula. Aquí la influencia mora vino de nuevo a enriquecer el estilo. La Granaina con su indiscutibile origen moruno, o la Zambra, que es un vocablo que originalmente designaba las antiguas reuniones de musicos andalusies, son claros exponentes de esta influencia.
La influencia gitana la encontramos tanto en el baile como en la música. Algunos caracteres del baile son muy similares a los de las regiones asiaticas de las que proceden los gitanos. También los ritmos flamencos no europeos tienen carácteres que hoy sólo encontramos en la música India.
Y de este modo podríamos seguir aventurandonos a apuntar las variadas influencias u origines. Pero en cualquier caso, lo que es evidente, es que el Flamenco durantre su larga historia ha sido permeable a las más variadas influencias, y que es tan puro como mestizo.
2) Evolución del Flamenco a partir de 1765
Haciendo un recorrido somero en lo que fuera la evolución del flamenco tal como lo conocemos hoy día, ya documentado y tratado profesionalmente, podemos comenzar por una época mucho más reciente: Entre 1765 y 1860. En esta época encontramos tres focos de importancia que crearían escuela: Cadiz, Jerez de la Frontera, y el barrio de Triana, en Sevilla. Es a partir de esta época cuando el baile flamenco, empieza a tener un sitio entre los bailes españoles que se desarrollan en las escuelas, representandose frecuentemente en patios, ventas y salones privados cuando se celebraban fiestas.
En lo que se refiere a la guitarra, al principio no solía acompañar al cante, que normalmente se realizaba a palo seco, sin más acompañamiento que el toque de palmas. Algunos compositores, como Julián Arcas, comienzan a componer temas con sonidos flamencos que iniciarían una nueva era.
Entre 1860 y 1910 se ingresa en una época más prolífica que se ha llegado a llamar La Edad de Oro del Flamenco. En esta época florecen los cafés cantantes, desarrollando el flamenco todas sus facetas; la instrumental, la de cante y la de baile, hasta fijar definitivamente lo que pudieramos considerar clasicismo de lo "jondo". El baile adquiere un esplendor sin precedentes, siendo éste el mayor atractivo para el público de estos cafés cantantes y se da un gran impulso a la guitarra, como complemento fundamental e indispensable para el cante y para el baile.
Entre 1910 y 1955, el cante esta marcado por lo que ha llegado a llamarse la etapa de la Opera Flamenca donde mandan los cantes más ligeros como los fandangos y cantes de ida y vuelta (de influencia sudamericana, que trajeron los cantaores que habían sido emigrantes en Latinoamerica). Este camino nuevo que habia tomado el flamenco no gusta a todo el mundo y en 1922 un grupo de intelectuales, como Falla y otros artistas de la Generación del 27 crean en Granada un Concurso, con la finalidad de buscar nuevos valores que cultiven el cante jondo auténtico.
A partir de 1915, se produce un ciclo de baile teatral de excepcional calidad, llevando el baile español y flamenco por todos los escenarios del mundo.A partir de 1955 nos encontramos con un Renacimiento del Flamenco, siendo Antonio Mairena su figura principal, con ese rigor interpretativo y su afan investigador y de divulgación de la ortodoxia del cante.
El baile en esta época se desarrolla en los tablaos, que son los herederos de los cafés cantantes anteriores, contando con verdaderas personalidades del baile, que alternan sus actuaciones no sólo en los tablaos, sino en teatros, festivales y otros escenarios.
Los guitarristas, acompañando al cante y al baile adquieren un mayor protagonismo, alcanzando este arte su madurez. El guitarrista es actualmente no sólo acompañamiento, sino solista. Paco de Lucía marca el inicio de una nueva etapa de esplendor sin precedentes, dando a la guitarra una dimensión universal. Junto a él habria que citar a otros que verdaderos virtuosos de este instrumento, como Manuel Cano, Victor Monge Serranito y Manolo Sanlucar.
El Flamenco hoy
El flamenco sigue evolucionando para convertirse en universal.
De un lado notamos nuevas tendencias de mestizaje con otros estilos musicales de la mano de algunos artistas. A este punto hay bastante polémica; entre los defensores de la conservación de la ortodoxia flamenca, (como ya en su día lo hiciera Falla, y que sirvió para conservar tan valioso patrimonio), y otros más interesados en su evolución y su permeabilidad.
De otro lado, importantes artistas han llevado el Flamenco por los cinco continentes, llegando a una nueva era donde los medios de comunicación son testigos de su gracia, su fuerza y su duende. Por ello no podemos ya más afirmar que el Flamenco es una manifestación artística exclusivamente de Andalucía (como no podemos ya decir que el Jazz es una musica exclusivamente de New Orleans), pudiendo hoy asistir en Andalucía a espectáculos del más auténtico purismo y clasicismo flamenco interpretados por una bailaora japonesa o un guitarrista italiano, ante el respeto de un gran público de entendidos, al mismo tiempo que los más grandes artistas andaluces llevan el flamenco a importantes escenarios en todo el mundo.
Naturalmente sigue siendo Andalucía la capital del flamenco, donde más concentrado se encuentra y donde con más frecuencia se puede disfrutar este arte en su más pura manifestación. Y al ser una música íntima por antonomasia, donde mejor se sentirá, será en ese circulo pequeño de amigos, donde sólo se encuentran la guitarra, la voz, y ese cuerpo bailando en una madrugada, y esto es lo que llamamos "una juerga flamenca".
Tomado de http://www.red2000.com/spain/flamenco/1index.html
otros enlaces:
http://www.flamenco-world.com/magazine/about/historia_del_flamenco/ehistori09092004.htm
viernes, 4 de abril de 2008
Danza Jazz
"Danza Jazz" es un término amplio que se utiliza para designar la danza social y artística de la música que utiliza el jazz o alguna de sus variaciones.
Como danza social, el jazz tiene su origen en las danzas negras del siglo XIX y anteriores. Hacia 1910 ciertas formas diluidas de danzas sociales negras fueron adoptadas por blancos. Ciertos bailes como el charleston, el jitterbug y el twist tienen movimientos con vestigios de África y de las primitivas danzas de esclavos. Otros, como el fox-trot, se pueden considerar como una danza europea de parejas adaptada a los ritmos de jazz.
Jazz proviene del francés antiguo "jasm", que significa "vitalidad",es un energético y espectacular baile de escenario.Es normalmente catalogado como parodia, comedia, libertad, ironía e improvisación.La danza jazz es un arte popular, una mezcla de danzas etnológicas y sociales. Es folclore urbano. Los distintos tipos de jazz son: el tradicional, el gospel, el funk y el primitivo afrocaribeño. Un estilo mas pulido es el Broadway jazz, que se baila en los musicales de Nueva York, y actualmente en otras ciudades. Es dinámico y poderoso y se enseña en la mayoría de las clases.Podemos encontrar el jazz tanto en las obras musicales como en conciertos y video clips de grupos de música pop con un beat simple y fuerte.El Hip hop, llamado también Rock jazz es el que se baila con este tipo de música. Pero la música jazz, originalmente tiene un ritmo mucho más complicado. Es uno de los bailes que, por la flexibilidad que tienen los bailarines, mas cambios posee.
Como danza para el escenario,la danza teatral de la década de 1940 experimentó un desarrollo mayor y en las décadas de 1950 y 1960 surgió un estilo que tomaba los elementos que necesitaba tanto del ballet como de la danza moderna y el claqué. Este estilo acentúa la línea corporal, la movilidad del torso, un trabajo de piernas rápido y preciso con los pies en paralelo (a diferencia de los pies rotados hacia fuera del ballet) y exagera los movimientos de ciertas partes del cuerpo, como los hombros.
El jazz comenzó como uno de los movimientos de baile popular de los inicios del siglo XX.En esa época, la música jazz era la que se escuchaba en la radio. Los pasos de danza adoptaron el nombre “jazz” de esa música.El término jazz es una etiqueta que ponemos a las danzas de los espectáculos de Broadway, de los videos clips, de compañías de danza de concierto, de los bailarines callejeros, etc
A pesar de que estos tipos de baile parecen ser muy diferentes, tienen una raíz común.Los elementos de la música jazz son la síncopa, el estilo individual y la improvisación. La danza original tomó estos mismos elementos. La síncopa es el elemento que le da a la música y a la danza su sabor y su emoción. El jazz no es ni monótono ni árido, pues está lleno de cambios inesperados y repentinos. Los diversos tipos de danza jazz surgieron del énfasis en la importancia del estilo individual y de la improvisación. Como lo que hemos observado en los bailarines de hip-hop de hoy, el jazz subraya la expresión individual. Cada maestro, bailarín y coreógrafo aporta un estilo único a la gran mezcla. Aquí la conformidad se desaprueba por completo.Junto con la síncopa y la expresión individual, la conexión con la música es otro elemento del jazz. La música y la danza van de la mano. La danza expresa la música sin importar si ésta es jazz, blues o rap.
Para explicar la composición de la danza jazz creamos un árbol imaginario, en cuyas raíces encontramos la música jazz. El tronco está hecho de los tres elementos: la síncopa, que lo hace emocionante; el estilo individual, que brinda variedad; y la expresión musical, que lo hace más real. Ahora imaginemos que del tronco salen cuatro ramas centrales desde las que se extienden todas las demás.
La primera y más vieja rama es aquella de la danza popular. El hip-hop, el break dance, el disco, el twist y el swing crearon furor entre danzas populares de la música de su tiempo. Los pasos originales del jazz fueron exactamente esos. La danza popular da una gran importancia al estilo individual y a la expresión musical. Pero la mayoría de estos estilos musicales no usan la síncopa y, ésto se debe a que cuando nació el rock and roll, la síncopa desapareció de la música popular. Sin embargo, lo que vemos en la danza popular es una síncopa “visual”. Los cambios dinámicos frecuentes y los movimientos inesperados hacen el baile emocionante.
La segunda rama es la de la danza de teatro musical. Ya que el ballet es la danza de los reyes y las princesas, los musicales necesitaron danzas que vinieran de la gente común, por lo que utilizaron los pasos de los bailes populares y los combinaron con sus canciones. El jazz del teatro musical utiliza todos los elementos que hemos mencionado: es dinámico, individual y está estrechamente relacionado con la música.
La tercera rama que se desarrolló es la de la danza jazz de concierto. La danza de concierto se refiere, básicamente, al mundo del ballet y las compañías de danza moderna. Después del nacimiento de las técnicas formales de danza jazz en el teatro musical, este estilo halló su lugar entre las compañías de concierto. Así se mezcló con las técnicas moderna y clásica, por lo que frecuentemente se le denomina Jazz moderno. De cualquier manera, algunas compañías han comenzado a llevar una clase más tradicional de jazz al escenario.
La cuarta rama es la de los equipos de danza drill, las porristas y la gimnasia. Aquí no vamos hacia afuera del árbol (hacia los márgenes de la escena) por esta rama que es más una vara que una rama. Digo esto porque dichos estilos se separan del tronco del árbol más adelante, debido a que la enorme importancia que le dan a la precisión y a la conformidad impide la expresión del estilo individual. Además, el uso de música repetitiva y de acentos constantes daña la emoción de la síncopa. Es cierto que posee mucha energía; sin embargo, cuando hay un acento en cada pulso, éste ha dejado de ser inesperado o emocionante.
A esta altura ya tenemos la imagen del árbol de la danza jazz plantado con firmeza en nuestras mentes pero debemos sumarle a cada rama el estilo personal de un maestro. Finalmente, imaginemos que en esos miembros crecen miles de hojas que representan a cada estudiante de jazz. Sin importar lo diferentes que sean estos estilos, todos somos parte del mismo magnífico árbol de la danza jazz...
tomado de http://www.delliceo.com.ar/danza%20jazz.html
otros enlaces
http://bailes.astalaweb.com/Historia/bhistoria%20jazz%203.asp
Como danza social, el jazz tiene su origen en las danzas negras del siglo XIX y anteriores. Hacia 1910 ciertas formas diluidas de danzas sociales negras fueron adoptadas por blancos. Ciertos bailes como el charleston, el jitterbug y el twist tienen movimientos con vestigios de África y de las primitivas danzas de esclavos. Otros, como el fox-trot, se pueden considerar como una danza europea de parejas adaptada a los ritmos de jazz.
Jazz proviene del francés antiguo "jasm", que significa "vitalidad",es un energético y espectacular baile de escenario.Es normalmente catalogado como parodia, comedia, libertad, ironía e improvisación.La danza jazz es un arte popular, una mezcla de danzas etnológicas y sociales. Es folclore urbano. Los distintos tipos de jazz son: el tradicional, el gospel, el funk y el primitivo afrocaribeño. Un estilo mas pulido es el Broadway jazz, que se baila en los musicales de Nueva York, y actualmente en otras ciudades. Es dinámico y poderoso y se enseña en la mayoría de las clases.Podemos encontrar el jazz tanto en las obras musicales como en conciertos y video clips de grupos de música pop con un beat simple y fuerte.El Hip hop, llamado también Rock jazz es el que se baila con este tipo de música. Pero la música jazz, originalmente tiene un ritmo mucho más complicado. Es uno de los bailes que, por la flexibilidad que tienen los bailarines, mas cambios posee.
Como danza para el escenario,la danza teatral de la década de 1940 experimentó un desarrollo mayor y en las décadas de 1950 y 1960 surgió un estilo que tomaba los elementos que necesitaba tanto del ballet como de la danza moderna y el claqué. Este estilo acentúa la línea corporal, la movilidad del torso, un trabajo de piernas rápido y preciso con los pies en paralelo (a diferencia de los pies rotados hacia fuera del ballet) y exagera los movimientos de ciertas partes del cuerpo, como los hombros.
El jazz comenzó como uno de los movimientos de baile popular de los inicios del siglo XX.En esa época, la música jazz era la que se escuchaba en la radio. Los pasos de danza adoptaron el nombre “jazz” de esa música.El término jazz es una etiqueta que ponemos a las danzas de los espectáculos de Broadway, de los videos clips, de compañías de danza de concierto, de los bailarines callejeros, etc
A pesar de que estos tipos de baile parecen ser muy diferentes, tienen una raíz común.Los elementos de la música jazz son la síncopa, el estilo individual y la improvisación. La danza original tomó estos mismos elementos. La síncopa es el elemento que le da a la música y a la danza su sabor y su emoción. El jazz no es ni monótono ni árido, pues está lleno de cambios inesperados y repentinos. Los diversos tipos de danza jazz surgieron del énfasis en la importancia del estilo individual y de la improvisación. Como lo que hemos observado en los bailarines de hip-hop de hoy, el jazz subraya la expresión individual. Cada maestro, bailarín y coreógrafo aporta un estilo único a la gran mezcla. Aquí la conformidad se desaprueba por completo.Junto con la síncopa y la expresión individual, la conexión con la música es otro elemento del jazz. La música y la danza van de la mano. La danza expresa la música sin importar si ésta es jazz, blues o rap.
Para explicar la composición de la danza jazz creamos un árbol imaginario, en cuyas raíces encontramos la música jazz. El tronco está hecho de los tres elementos: la síncopa, que lo hace emocionante; el estilo individual, que brinda variedad; y la expresión musical, que lo hace más real. Ahora imaginemos que del tronco salen cuatro ramas centrales desde las que se extienden todas las demás.
La primera y más vieja rama es aquella de la danza popular. El hip-hop, el break dance, el disco, el twist y el swing crearon furor entre danzas populares de la música de su tiempo. Los pasos originales del jazz fueron exactamente esos. La danza popular da una gran importancia al estilo individual y a la expresión musical. Pero la mayoría de estos estilos musicales no usan la síncopa y, ésto se debe a que cuando nació el rock and roll, la síncopa desapareció de la música popular. Sin embargo, lo que vemos en la danza popular es una síncopa “visual”. Los cambios dinámicos frecuentes y los movimientos inesperados hacen el baile emocionante.
La segunda rama es la de la danza de teatro musical. Ya que el ballet es la danza de los reyes y las princesas, los musicales necesitaron danzas que vinieran de la gente común, por lo que utilizaron los pasos de los bailes populares y los combinaron con sus canciones. El jazz del teatro musical utiliza todos los elementos que hemos mencionado: es dinámico, individual y está estrechamente relacionado con la música.
La tercera rama que se desarrolló es la de la danza jazz de concierto. La danza de concierto se refiere, básicamente, al mundo del ballet y las compañías de danza moderna. Después del nacimiento de las técnicas formales de danza jazz en el teatro musical, este estilo halló su lugar entre las compañías de concierto. Así se mezcló con las técnicas moderna y clásica, por lo que frecuentemente se le denomina Jazz moderno. De cualquier manera, algunas compañías han comenzado a llevar una clase más tradicional de jazz al escenario.
La cuarta rama es la de los equipos de danza drill, las porristas y la gimnasia. Aquí no vamos hacia afuera del árbol (hacia los márgenes de la escena) por esta rama que es más una vara que una rama. Digo esto porque dichos estilos se separan del tronco del árbol más adelante, debido a que la enorme importancia que le dan a la precisión y a la conformidad impide la expresión del estilo individual. Además, el uso de música repetitiva y de acentos constantes daña la emoción de la síncopa. Es cierto que posee mucha energía; sin embargo, cuando hay un acento en cada pulso, éste ha dejado de ser inesperado o emocionante.
A esta altura ya tenemos la imagen del árbol de la danza jazz plantado con firmeza en nuestras mentes pero debemos sumarle a cada rama el estilo personal de un maestro. Finalmente, imaginemos que en esos miembros crecen miles de hojas que representan a cada estudiante de jazz. Sin importar lo diferentes que sean estos estilos, todos somos parte del mismo magnífico árbol de la danza jazz...
tomado de http://www.delliceo.com.ar/danza%20jazz.html
otros enlaces
http://bailes.astalaweb.com/Historia/bhistoria%20jazz%203.asp
Danza tradicional de la India
"Ven a aprender el espíritu de lo Divino"... decía Rukmini Devi Arundale en su carta de invitación a los futuros miembros de su academia. Pionera entre otros como Rabindranath Tagore y Uday Shankar, fundó en el año 1936 la academia Kalakshetra, en donde los estudiantes se formaban no sólo en el área de la danza sino también en el área de la música, la pintura y el idioma sánscrito.
Esta gran bailarina y teósofa emprendió su lucha por el reconocimiento de la importancia de la danza en su país tras haber sufrido las artes en general, un período de decadencia durante el colonialismo británico. Así como ella, otros artistas abrieron escuelas y centros de formación en distintas ciudades de India, recuperando de esta manera danzas milenarias y demostrando la importancia de la tradición.
Las danzas de India se clasifican en: clásicas, folklóricas y tribales. Dentro de las clásicas, están las danzas Bharata Natyam, Kathakali, Mohini Attam, Odissi, Kuchipudi, Kathak y Manipuri.
Aunque se diferencian por su técnica y vestuario, poseen un denominador común que es la combinación del lenguaje de las manos, el cuerpo y la cara, interpretando así historias de índole devocional y de amor humano.Al apreciar estas danzas, el espectador queda atrapado en una "atmósfera atemporal" que combina la música en vivo, una rica ornamentación y un colorido vestuario, transformándose así en un festival para los sentidos.
Otra característica de las danzas de la India es la combinación de sensualidad y recato. La gracia y la suavidad, que representan lo femenino (Lasya),contrastan con los fuertes ritmos que marcan los pies, lo masculino (Tandava).
Estas danzas son un gran desafío ya que su aprendizaje no sólo requiere de un fuerte entrenamiento físico para su exigente ejecución, sino también de concentración y gran coordinación para mover simultáneamente ojos, cuello, rostro, manos y pies, ayudando así a la integración del cuerpo y la mente y al desarrollo de ambos hemisferios cerebrales.La unión cuerpo-mente trae como resultado la expresión del espíritu, siendo éste el objetivo final, la "superación espiritual" a través del arte.
Antiguamente, algunas danzas (Bharata Natyam y Odissi), eran realizadas en los templos por bailarinas consagradas a Dios, llamadas "Devadasis" (servidoras de Dios, doncellas de los dioses), quienes de alguna manera contribuyeron a la preservación de las danzas a través de los siglos.
Esta gran bailarina y teósofa emprendió su lucha por el reconocimiento de la importancia de la danza en su país tras haber sufrido las artes en general, un período de decadencia durante el colonialismo británico. Así como ella, otros artistas abrieron escuelas y centros de formación en distintas ciudades de India, recuperando de esta manera danzas milenarias y demostrando la importancia de la tradición.
Las danzas de India se clasifican en: clásicas, folklóricas y tribales. Dentro de las clásicas, están las danzas Bharata Natyam, Kathakali, Mohini Attam, Odissi, Kuchipudi, Kathak y Manipuri.
Aunque se diferencian por su técnica y vestuario, poseen un denominador común que es la combinación del lenguaje de las manos, el cuerpo y la cara, interpretando así historias de índole devocional y de amor humano.Al apreciar estas danzas, el espectador queda atrapado en una "atmósfera atemporal" que combina la música en vivo, una rica ornamentación y un colorido vestuario, transformándose así en un festival para los sentidos.
Otra característica de las danzas de la India es la combinación de sensualidad y recato. La gracia y la suavidad, que representan lo femenino (Lasya),contrastan con los fuertes ritmos que marcan los pies, lo masculino (Tandava).
Estas danzas son un gran desafío ya que su aprendizaje no sólo requiere de un fuerte entrenamiento físico para su exigente ejecución, sino también de concentración y gran coordinación para mover simultáneamente ojos, cuello, rostro, manos y pies, ayudando así a la integración del cuerpo y la mente y al desarrollo de ambos hemisferios cerebrales.La unión cuerpo-mente trae como resultado la expresión del espíritu, siendo éste el objetivo final, la "superación espiritual" a través del arte.
Antiguamente, algunas danzas (Bharata Natyam y Odissi), eran realizadas en los templos por bailarinas consagradas a Dios, llamadas "Devadasis" (servidoras de Dios, doncellas de los dioses), quienes de alguna manera contribuyeron a la preservación de las danzas a través de los siglos.
video de Odissi: http://www.youtube.com/watch?v=i7v5bOv7_pI
video de Kathak: http://www.youtube.com/watch?v=t2hIYbXJS8E
video sobre Bharata Natyam: http://www.youtube.com/watch?v=prQOdTmF8u0
Técnicamente hablando, se considera a estas danzas como un "arte completo". Abarcan desde la expresión facial hasta la expresión de gestos hechos con las manos llamados "mudras" o "hastas"(manos), que describen situaciones o cuentan historias. Además de un intenso trabajo de brazos, cabe destacar la importancia del trabajo rítmico que realizan los pies descalzos al golpear el piso, haciendo sonar cascabeles que van sujetos a los tobillos; éstos a su vez, deben acompañar simultáneamente los ritmos que realiza el percusionista de la orquesta y viceversa. Antes que nada, la bailarina o el bailarín debe aprender a cantar las sílabas rítmicas que corresponden a cada paso.En el trabajo de pies se utilizan la planta, el talón y la media punta, y la finalidad es lograr "claridad y precisión rítmica".Con respecto a los ojos, existen diferentes formas de mirar; deben reflejar además, distintos sentimientos y estados emocionales.Finalmente, lo que el intérprete de Danza de la India espera, es llevar al espectador el placer y goce estético. En la medida que logra emocionar al espectador con lo que hace, logra belleza artística y comunicación con lo divino...un puente entre el cielo y la tierra.
tomado de http://www.luciernaga-clap.com.ar/articulosrevistas/20_danzaymusicaindia.htm
otros enlaces
http://es.wikipedia.org/wiki/Danzas_cl%C3%A1sicas_de_India
Danza Clásica
La danza clásica tiene su origen en los bailes cortesanos de salón en Europa. Estos bailes trataban de divertir o entretener a la nobleza con prácticas sencillas y accesibles.
En el Renacimiento se dio impulso a la danza, que se volvió cada vez más compleja hasta exigir la presencia de maestros para poder realizarla.Esto también propició el cambio de espacios para su ejecución. En los bailes de salón se realizaban las danzas y bailes entre los espectadores, sin un espacio específico, pero terminaron por llevarse a cabo frente al público. Al establecerse la diferencia se redujo el espacio y el danzante se enfocó al desarrollo de los pasos y la composición coreográfica, es decir, al reparto en el espacio organizado, en donde se procuró fantasía y libertad.Esta situación dio lugar a un nuevo espectáculo escénico, y con ello al establecimiento de escuelas y academias, a las que debía acudir cualquiera que aspirara a ser bailarín, para aprender sus reglas, asimilar sus actitudes, familiarizarse con su repertorio. A ellas acudían jóvenes nobles y algunos monarcas inquietos.
El primer método que se conoce de enseñanza de la danza fue escrito por Robert Copland, De la manera de bailar base dance según la costumbre de Francia, y fue escrito en el año 1521. Posteriormente, en el año de 1581, el maestro Fabricio Caroso Dasermaneta escribe el libro llamado El bailarín, que también contribuyó en la enseñanza de esta manifestación artística.
1.El hombre y la danza, "Patricia Bárcena Alcaraz, Julio Zavala González, Graciela Vellido Peralta", Editorial Patria, México. 1994
tomado de http://www.danzar.com/mp/content/view/19/34/
------de otra pagina------
HISTORIA DEL BALLET CLÁSICO
El ballet se originó a finales del siglo XV, a partir de los números de danza que se representaban en los festines de las cortes italianas. Estos elaborados espectáculos que aunaban pintura, poesía, música y danza, tenían lugar en espaciosas salas que se utilizaban tanto para banquetes como para bailes. Su contenido era normalmente alegórico-mitológico.
Los ballets cortesanos italianos fueron ampliamente desarrollados en Francia. El Ballet cómico de la Reina, el primer ballet del que sobrevive una partitura completa, se estrenó en París en 1581. Fue creado por Beaujoyeux y bailado por aristócratas aficionados en un salón con la familia real sobre un estrado al fondo y los espectadores en las galerías de los otros tres lados del salón. Ello determinó el carácter de los futuros ballets cortesanos, que cristalizaron en el siglo XVII en las diferentes cortes europeas con su suntuoso vestuarios, decoración, fuentes artificiales, luminotecnia...
El ballet de corte alcanzó su cumbre durante el reinado de Luis XIV (1643-1715), cuyo apelativo de Rey Sol derivó de un papel que ejecutó en un ballet. Muchos de los ballets presentados en su corte fueron creados por el compositor italo-francés Jean Baptiste Lully y el coreógrafo francés Pierre Beauchamps, a quien se atribuye la determinación de las cinco posiciones básicas de colocación.
En 1661, Luis XIV fundó la Academia Real de la Danza, para maestros . La danza estaba empezando a configurarse como una disciplina profesional.
En un primer momento solo los hombres podían participar, y los papeles femeninos los realizaban disfrazados. Las primeras bailarinas aparecieron en 1681 en un ballet llamado El triunfo del amor.
La técnica de la danza en este periodo, recogida por Raoul Feuillet en su libro Coreografía , incluía pasos y posiciones todavía identificables. Se desarrolló una nueva forma teatral: la ópera-ballet, que aunaba el canto y la danza en una serie de danzas unidas de tema común.
Los bailarines del siglo XVIII se veían entorpecidos por los trajes, zapatos, pelucas y miriñaques para ellas.
Fue Marie Anne Camargo quien acortó las faldas y empezó a usar zapatillas sin tacón, para exhibir sus pasos y saltos. Su rival, María Sallé desechó el corsé y se colocó túnicas griegas para bailar Pigmalión .
A pesar del virtuosismo de los bailarines franceses, los coreógrafos que trabajaban fuera de París consiguieron una expresión más dinámica en sus ballets. Fue John Weaver quien eliminó las palabras e intentó transmitir sentido dramático por medio de la danza y el gesto. En Viena se dio a conocer la pantomima.
En este sentido hay que destacar la figura de Jean Georges Noverre, cuyas Cartas sobre la danza y los ballets (1760) ejercieron una notable influencia.Para el los movimientos debían fluir natural y armónicamente. Noverre encontró una oportunidad para plasmar sus ideas en Stuttgart, Alemania, donde produjo por primera vez Medea y Jasón.
Jean Dauberval,alumno del anterior,en su ballet La fille mal gardée (La muchacha mal custodiada, 1789) aplicó los principios de su maestro.
La danza en puntas empezó a desarrollarse , aunque los bailarines se ponían de punta sólo unos instante ya que aún no se habían inventado las zapatillas de punta dura.
El ballet Las sílfides, cuya primera representación tuvo lugar en París, inauguró el periodo del ballet romántico. Maria Taglioni, solista, interpretaba una criatura sobrenatural que es amada y destrozada de forma involuntaria por un mortal.
Las sílfides inspiraron muchos cambios en los ballets de la época.
También debemos mencionar Giselle (1841), con música de Adam y coreografía de Jean Coralli.
El ballet romántico, sin embargo, no se inspiró exclusivamente en temas sobre seres de otro mundo.
Las mujeres dominaban (y aún lo hacen) el ballet romántico.
Entre el ballet que vivía un proceso expansivo en Europa y la escuela bolera (danza académica española) surgió un importante vínculo.Los temas españoles comenzaron a estar de moda en los repertorios de los ballets.El gran Marius Petipa cristalizó la esencia española dentro del ballet clásico, produciendo entre 1847 y 1888 junto a Ivanov una serie de ballets y fragmentos de aire y estilo españoles que son verdaderas obras maestras.
Pero en Europa el ballet empezaba a perder interés. Durante la segunda mitad del siglo XIX se produjeron pocos ballets destacables en la Ópera. Aunque sí que podemos señalar Coppélia, Sylvia y La fuente, con música de Leo Delibes.
Rusia,sin embargo, sí que siguió con a tradición del ballet , gracias al coreógrafo Marius Petipa. Entre sus obras están los ballets quizás más conocidos: La bella durmiente (1890), El lago de los cisnes y Cascanueces, las tres en colaboración con el Liev Ivanov, sobre música de Piotr Ilich TChaikovski.
Petipa llegó a convertirse en un punto de referencia. Fokine hizó Hincapié en la idea de expresividad.
Los Ballets Rusos, fundados por S.Diaghilev con la colaboración del anterior, supusieron el inicio del ballet moderno. Supuso el resurgir de la figura masculina que había sido olvidada y la aparición de nombres como Vaslav Nijinski. La compañía creó un gran número de nuevas piezas, incluido un ballet de un solo acto de Fokine de temática oriental: El pájaro de fuego (1910), Sheherazade (1910) y Petruska (1911).
Diaghilev contrató no solo a compositores y coreógrafos sino también artistas, pintores, poetas y compositores de Europa occidental, como Pablo Picasso y Maurice Ravel, para colaborar con los ballets. George Balanchine, y el bailarín y coreógrafo ruso-francés Serge Lifar abrieron nuevos horizontes al ballet.
Aquellos artistas que habían colaborado en la compañía contribuyeron al florecimiento del ballet en Europa y América. Anna Pavlova, que bailó en las primeras épocas de los Ballets, creó su propia compañía. Fokine trabajó con el futuro American Ballet Theatre. Massine colaboró con el Ballet Ruso de Monte Carlo, compañía creada tras la muerte de Diáguilev. Dos antiguos miembros de los Ballets Rusos, Marie Rambert y Ninette de Valois, colaboraron en la difusión británica del ballet. De Valois fundó la compañía que llegaría a ser el Britain’s Royal Ballet.
Entre los años 1920 y 1930 comenzó a desarrollarse en Estados Unidos y Alemania la danza moderna. Martha Graham, Doris Humphrey y Mary Wigman, crearon nuevos estilos de movimiento con un progresivo acercamiento al realismo. Se amplió la capacidez de movimiento con un uso más libre del cuerpo.
En la década de 1930, Massine inventó el ballet sinfónico, que trataba de expresar el contenido musical de sinfonías de los compositores alemanes Ludwig Van Beethoven y Johannes Brahms. Balanchine a su vez comenzó a crear ballets abstractos. Jewels (1967) está considerado como el primer ballet de larga duración de este tipo.
Durante los años 40 se fundaron en Nueva York dos grandes compañías de ballet, el American Ballet Theatre y el New York City Ballet. A partir de la segunda mitad del siglo XX, se han creado compañías de ballet en muchas ciudades de Estados Unidos y de Canadá.
En los años 50 las compañías rusas ( la del teatro Bolshói y el teatro Kírov, por ejemplo) hicieron por primera vez representaciones en Occidente. La influencia rusa sobre el ballet ha sido inmensa. Encontrándonos con los famosos casos de deserción como Rudolf Nureyev, Natalia Makárova, y Mijaíl Baryshnikov, director del American Ballet Theatre de Nueva York, desde 1980 hasta 1989.
En España hay que destacar la figura de Víctor Ullate, quien en 1979 se convierte en el director del Ballet Nacional de España. En 1987 Maia Plisiétskaia fue nombrada directora artística del Ballet Lírico Nacional. La incorporación del coreógrafo y bailarín español Nacho Duato como director artístico de la Compañía Nacional en 1990 ha supuesto un cambio innovador en la historia de la compañía, que ahora se ha alejado del ballet clásico propiamente dicho.
Finalmente hay que destacar el esfuerzo cubano en el desarrollo del ballet con su Ballet Nacional de Cuba, fundado y dirigido por Alicia Alonso.
El repertorio del ballet actual ofrece una gran variedad. Coexisten ballets modernos y los pertenecientes al repertorio clásico .Aunque podemos decir que es la danza contemporánea la que está ganando actualmente el terreno.
tomado de http://enpuntas.iespana.es/historia.htm
En el Renacimiento se dio impulso a la danza, que se volvió cada vez más compleja hasta exigir la presencia de maestros para poder realizarla.Esto también propició el cambio de espacios para su ejecución. En los bailes de salón se realizaban las danzas y bailes entre los espectadores, sin un espacio específico, pero terminaron por llevarse a cabo frente al público. Al establecerse la diferencia se redujo el espacio y el danzante se enfocó al desarrollo de los pasos y la composición coreográfica, es decir, al reparto en el espacio organizado, en donde se procuró fantasía y libertad.Esta situación dio lugar a un nuevo espectáculo escénico, y con ello al establecimiento de escuelas y academias, a las que debía acudir cualquiera que aspirara a ser bailarín, para aprender sus reglas, asimilar sus actitudes, familiarizarse con su repertorio. A ellas acudían jóvenes nobles y algunos monarcas inquietos.
El primer método que se conoce de enseñanza de la danza fue escrito por Robert Copland, De la manera de bailar base dance según la costumbre de Francia, y fue escrito en el año 1521. Posteriormente, en el año de 1581, el maestro Fabricio Caroso Dasermaneta escribe el libro llamado El bailarín, que también contribuyó en la enseñanza de esta manifestación artística.
1.El hombre y la danza, "Patricia Bárcena Alcaraz, Julio Zavala González, Graciela Vellido Peralta", Editorial Patria, México. 1994
tomado de http://www.danzar.com/mp/content/view/19/34/
------de otra pagina------
HISTORIA DEL BALLET CLÁSICO
El ballet se originó a finales del siglo XV, a partir de los números de danza que se representaban en los festines de las cortes italianas. Estos elaborados espectáculos que aunaban pintura, poesía, música y danza, tenían lugar en espaciosas salas que se utilizaban tanto para banquetes como para bailes. Su contenido era normalmente alegórico-mitológico.
Los ballets cortesanos italianos fueron ampliamente desarrollados en Francia. El Ballet cómico de la Reina, el primer ballet del que sobrevive una partitura completa, se estrenó en París en 1581. Fue creado por Beaujoyeux y bailado por aristócratas aficionados en un salón con la familia real sobre un estrado al fondo y los espectadores en las galerías de los otros tres lados del salón. Ello determinó el carácter de los futuros ballets cortesanos, que cristalizaron en el siglo XVII en las diferentes cortes europeas con su suntuoso vestuarios, decoración, fuentes artificiales, luminotecnia...
El ballet de corte alcanzó su cumbre durante el reinado de Luis XIV (1643-1715), cuyo apelativo de Rey Sol derivó de un papel que ejecutó en un ballet. Muchos de los ballets presentados en su corte fueron creados por el compositor italo-francés Jean Baptiste Lully y el coreógrafo francés Pierre Beauchamps, a quien se atribuye la determinación de las cinco posiciones básicas de colocación.
En 1661, Luis XIV fundó la Academia Real de la Danza, para maestros . La danza estaba empezando a configurarse como una disciplina profesional.
En un primer momento solo los hombres podían participar, y los papeles femeninos los realizaban disfrazados. Las primeras bailarinas aparecieron en 1681 en un ballet llamado El triunfo del amor.
La técnica de la danza en este periodo, recogida por Raoul Feuillet en su libro Coreografía , incluía pasos y posiciones todavía identificables. Se desarrolló una nueva forma teatral: la ópera-ballet, que aunaba el canto y la danza en una serie de danzas unidas de tema común.
Los bailarines del siglo XVIII se veían entorpecidos por los trajes, zapatos, pelucas y miriñaques para ellas.
Fue Marie Anne Camargo quien acortó las faldas y empezó a usar zapatillas sin tacón, para exhibir sus pasos y saltos. Su rival, María Sallé desechó el corsé y se colocó túnicas griegas para bailar Pigmalión .
A pesar del virtuosismo de los bailarines franceses, los coreógrafos que trabajaban fuera de París consiguieron una expresión más dinámica en sus ballets. Fue John Weaver quien eliminó las palabras e intentó transmitir sentido dramático por medio de la danza y el gesto. En Viena se dio a conocer la pantomima.
En este sentido hay que destacar la figura de Jean Georges Noverre, cuyas Cartas sobre la danza y los ballets (1760) ejercieron una notable influencia.Para el los movimientos debían fluir natural y armónicamente. Noverre encontró una oportunidad para plasmar sus ideas en Stuttgart, Alemania, donde produjo por primera vez Medea y Jasón.
Jean Dauberval,alumno del anterior,en su ballet La fille mal gardée (La muchacha mal custodiada, 1789) aplicó los principios de su maestro.
La danza en puntas empezó a desarrollarse , aunque los bailarines se ponían de punta sólo unos instante ya que aún no se habían inventado las zapatillas de punta dura.
El ballet Las sílfides, cuya primera representación tuvo lugar en París, inauguró el periodo del ballet romántico. Maria Taglioni, solista, interpretaba una criatura sobrenatural que es amada y destrozada de forma involuntaria por un mortal.
Las sílfides inspiraron muchos cambios en los ballets de la época.
También debemos mencionar Giselle (1841), con música de Adam y coreografía de Jean Coralli.
El ballet romántico, sin embargo, no se inspiró exclusivamente en temas sobre seres de otro mundo.
Las mujeres dominaban (y aún lo hacen) el ballet romántico.
Entre el ballet que vivía un proceso expansivo en Europa y la escuela bolera (danza académica española) surgió un importante vínculo.Los temas españoles comenzaron a estar de moda en los repertorios de los ballets.El gran Marius Petipa cristalizó la esencia española dentro del ballet clásico, produciendo entre 1847 y 1888 junto a Ivanov una serie de ballets y fragmentos de aire y estilo españoles que son verdaderas obras maestras.
Pero en Europa el ballet empezaba a perder interés. Durante la segunda mitad del siglo XIX se produjeron pocos ballets destacables en la Ópera. Aunque sí que podemos señalar Coppélia, Sylvia y La fuente, con música de Leo Delibes.
Rusia,sin embargo, sí que siguió con a tradición del ballet , gracias al coreógrafo Marius Petipa. Entre sus obras están los ballets quizás más conocidos: La bella durmiente (1890), El lago de los cisnes y Cascanueces, las tres en colaboración con el Liev Ivanov, sobre música de Piotr Ilich TChaikovski.
Petipa llegó a convertirse en un punto de referencia. Fokine hizó Hincapié en la idea de expresividad.
Los Ballets Rusos, fundados por S.Diaghilev con la colaboración del anterior, supusieron el inicio del ballet moderno. Supuso el resurgir de la figura masculina que había sido olvidada y la aparición de nombres como Vaslav Nijinski. La compañía creó un gran número de nuevas piezas, incluido un ballet de un solo acto de Fokine de temática oriental: El pájaro de fuego (1910), Sheherazade (1910) y Petruska (1911).
Diaghilev contrató no solo a compositores y coreógrafos sino también artistas, pintores, poetas y compositores de Europa occidental, como Pablo Picasso y Maurice Ravel, para colaborar con los ballets. George Balanchine, y el bailarín y coreógrafo ruso-francés Serge Lifar abrieron nuevos horizontes al ballet.
Aquellos artistas que habían colaborado en la compañía contribuyeron al florecimiento del ballet en Europa y América. Anna Pavlova, que bailó en las primeras épocas de los Ballets, creó su propia compañía. Fokine trabajó con el futuro American Ballet Theatre. Massine colaboró con el Ballet Ruso de Monte Carlo, compañía creada tras la muerte de Diáguilev. Dos antiguos miembros de los Ballets Rusos, Marie Rambert y Ninette de Valois, colaboraron en la difusión británica del ballet. De Valois fundó la compañía que llegaría a ser el Britain’s Royal Ballet.
Entre los años 1920 y 1930 comenzó a desarrollarse en Estados Unidos y Alemania la danza moderna. Martha Graham, Doris Humphrey y Mary Wigman, crearon nuevos estilos de movimiento con un progresivo acercamiento al realismo. Se amplió la capacidez de movimiento con un uso más libre del cuerpo.
En la década de 1930, Massine inventó el ballet sinfónico, que trataba de expresar el contenido musical de sinfonías de los compositores alemanes Ludwig Van Beethoven y Johannes Brahms. Balanchine a su vez comenzó a crear ballets abstractos. Jewels (1967) está considerado como el primer ballet de larga duración de este tipo.
Durante los años 40 se fundaron en Nueva York dos grandes compañías de ballet, el American Ballet Theatre y el New York City Ballet. A partir de la segunda mitad del siglo XX, se han creado compañías de ballet en muchas ciudades de Estados Unidos y de Canadá.
En los años 50 las compañías rusas ( la del teatro Bolshói y el teatro Kírov, por ejemplo) hicieron por primera vez representaciones en Occidente. La influencia rusa sobre el ballet ha sido inmensa. Encontrándonos con los famosos casos de deserción como Rudolf Nureyev, Natalia Makárova, y Mijaíl Baryshnikov, director del American Ballet Theatre de Nueva York, desde 1980 hasta 1989.
En España hay que destacar la figura de Víctor Ullate, quien en 1979 se convierte en el director del Ballet Nacional de España. En 1987 Maia Plisiétskaia fue nombrada directora artística del Ballet Lírico Nacional. La incorporación del coreógrafo y bailarín español Nacho Duato como director artístico de la Compañía Nacional en 1990 ha supuesto un cambio innovador en la historia de la compañía, que ahora se ha alejado del ballet clásico propiamente dicho.
Finalmente hay que destacar el esfuerzo cubano en el desarrollo del ballet con su Ballet Nacional de Cuba, fundado y dirigido por Alicia Alonso.
El repertorio del ballet actual ofrece una gran variedad. Coexisten ballets modernos y los pertenecientes al repertorio clásico .Aunque podemos decir que es la danza contemporánea la que está ganando actualmente el terreno.
tomado de http://enpuntas.iespana.es/historia.htm
Danza Arabe
La Danza Oriental es una de las danzas más antiguas del mundo, que combina elementos de diferentes países del Medio Oriente y Norte de África, aunque sus orígenes precisos son inciertos.
En los países árabes esta danza se conoce como Raks Sharki que significa literalmente Danza Oriental. El nombre Danza del vientre se empieza a utilizar en el siglo XIX por los europeos que viajaron a los países exóticos en busca de nuevas culturas, costumbres y paisajes. Estos viajeros le dieron este termino sorprendidos por los movimientos de vientre y cadera que no existían en las danzas europeas.
Tenemos que distinguir entre el Raks Sharki (Danza Oriental) y el Raks Baladi (Danza del Pueblo). El raks báladi es una danza más elemental, prácticamente sin desplazamientos y con movimientos de cadera predominantes. El raks sharki es más refinado y rico. Incluye movimientos del folklore egipcio, la danza clásica y la danza contemporánea, con grandes desplazamientos, vueltas y movimientos para todas las partes del cuerpo, aunque los de cadera son también los más importantes.
En algunos pueblos de la antiguedad se pensaba que la fertilidad humana estaba directamente relacionada con la tierra. A las mujeres, que eran las que creaban nuevas vidas, se les atribuían poderes mágicos. Por ejemplo: En la Anatolya Central y mediterránea (Turquía), hace miles de años, las mujeres tenían danzas rituales en honor a estos poderes mágicos (ceremonias relacionadas con la fertilidad). Los hombre estaban excluidos de estos ritos.
En la antigua Grecia y Roma se realizaban diferentes danzas de la fertilidad basadas en la rotación de las caderas y vientre. Algunas de ellas se realizaban en honor a las diosas. Muchas de estas divinidades provenían del este, en particular de Siria y Turquía. En Chipre, lugar de nacimiento de Afrodita, la diosa Griega del amor y la fertilidad, las mujeres realizaban danzas rituales eróticas acompañadas de cantos y percusión mediante las cuales se ponían en trance. Esto les permitía entrar en contacto con la diosa y que ésta les pasase su poder.Asimismo, estos ritos o similares tuvieron lugar en Mesopotamia, fenicia, Egipto, Arabia y la India. En estas ceremonias participaban gran número de mujeres. En ellas se bailaba, se cantaba e incluso en algunas las mujeres se ofrecían a los hombres en honor a la diosa. El propósito de estas ceremonias era traer el poder de la diosa a la tierra y favorecer la fertilidad. Durante el S. IV D. C. el Cristianismo y el Islam pasaron a dominar el Medio Oriente. Aunque tomaron ciertas fiestas y ritos paganos y se los apropiaron adaptándolos a su nueva religión, también destruyeron los rituales con culto a las diosas y trataron de eliminar las danzas femeninas relacionadas con la sexualidad y fertilidad. Hace siglos, los bailarines, músicos y cantantes eran esclavos. Aunque este estatus luego cambió los intérpretes nunca escaparon totalmente del estigma atribuido a su profesión dentro de los países árabes.
Durante el S. XIX, en Egipto existían dos tipos de bailarinas: las ghawazee (gitanas) que bailaban al aire libre o en el campo, normalmente para audiencias de clase social baja. Actuaban con un pequeño grupo de músicos que solían incluir mizmar, nay y tabla. Las awalim eran mas respetadas y además de bailar, cantaban y recitaban poesía. Normalmente actuaban en casas de ricos. Los músicos eran: nay, oud, kanoon y tabla. En ambos casos la danza era improvisada.
Hasta el año 1930, los bailarines habían actuado sobre todo en casas de gente o en cafés. Ese año, en El Cairo, una mujer libanesa llamada Badia Mansabni abrió una sala de fiestas llamada Casino Badia. Esta sala se hizo muy popular. Tenía un programa diverso que se basaba en el oriente y ofrecía bailarines, cantantes, músicos, comediantes y números europeos. La danza oriental siempre se había bailado en espacios pequeños. En el Casino Badia tuvo que ser adaptada a escenarios grandes. Badia Mansabny además de formar a sus bailarinas trabajó con coreógrafos y bailarines europeos para incluir elementos de otras danzas (ballet). Estas bailarinas actuaban normalmente en grupos, aunque las que se destacaban por su talento hacían a veces un solo.
Durante esta época se puso de moda el traje de dos piezas con pedrería y flecos que estaba inspirado en las películas americanas.
En esos años se produjeron un montón de películas en Egipto y era habitual incluir alguna escena de danza o tener una bailarina como protagonista. Muchos cazadores de talentos iban al Casino Badia buscando bailarinas para estas escenas. Las bailarinas actrices tuvieron mucho éxito entre el público.
Muchas de estas bailarinas descubiertas en el Casino Badia llegaron a ser estrellas de cine muy populares y adquirieron un estatus que nunca antes habían tenido. Como Tahia Carioca, Samia Gamal, Naima Akef y Nadia Gamal. Actualmente, la danza Oriental en la mayoría de los países árabes es parte de la cultura y una celebración sin un espectáculo de danza oriental no está completo. En los países árabes donde mas se ha desarrollado en los últimos tiempos es en Egipto, Líbano y Turquía, aunque cabe destacar que también se ha desarrollado en algunos países europeos y de América debido a la emigración árabe, como en Alemania, Francia, Brasil y USA.
Las bailarinas famosas suelen bailar en los clubes de los hoteles de cinco estrellas, llevan una orquesta de al menos treinta músicos con instrumentos tradicionales y modernos. El vestuario suele ser exclusivo y el espectáculo está completamente coreografiado. El primer número suele ser una música especialmente compuesta para ellas seguido de una variedad de canciones populares.Algunas bailarinas famosas de hoy son: Fifí Abdú, Nagwa Fouad, Amani, Mona Said, Dina, Laila Haddad y Soraya Hilal.Prácticamente todas las mujeres árabes bailan raks báladi, aprenden desde niñas en las fiestas y reuniones familiares, pero son pocas las que se animan a ser profesionales, porque ser bailarina no está bien visto en una sociedad tradicional musulmana.
tomado de http://www.bellydance.com.ar/
otras fuentes
http://www.elojodehorus.com/cultural/mb00.asp
http://danza-arabe.net/danza.htm
http://www.infoarabe.com/dvhistoria.php
En los países árabes esta danza se conoce como Raks Sharki que significa literalmente Danza Oriental. El nombre Danza del vientre se empieza a utilizar en el siglo XIX por los europeos que viajaron a los países exóticos en busca de nuevas culturas, costumbres y paisajes. Estos viajeros le dieron este termino sorprendidos por los movimientos de vientre y cadera que no existían en las danzas europeas.
Tenemos que distinguir entre el Raks Sharki (Danza Oriental) y el Raks Baladi (Danza del Pueblo). El raks báladi es una danza más elemental, prácticamente sin desplazamientos y con movimientos de cadera predominantes. El raks sharki es más refinado y rico. Incluye movimientos del folklore egipcio, la danza clásica y la danza contemporánea, con grandes desplazamientos, vueltas y movimientos para todas las partes del cuerpo, aunque los de cadera son también los más importantes.
En algunos pueblos de la antiguedad se pensaba que la fertilidad humana estaba directamente relacionada con la tierra. A las mujeres, que eran las que creaban nuevas vidas, se les atribuían poderes mágicos. Por ejemplo: En la Anatolya Central y mediterránea (Turquía), hace miles de años, las mujeres tenían danzas rituales en honor a estos poderes mágicos (ceremonias relacionadas con la fertilidad). Los hombre estaban excluidos de estos ritos.
En la antigua Grecia y Roma se realizaban diferentes danzas de la fertilidad basadas en la rotación de las caderas y vientre. Algunas de ellas se realizaban en honor a las diosas. Muchas de estas divinidades provenían del este, en particular de Siria y Turquía. En Chipre, lugar de nacimiento de Afrodita, la diosa Griega del amor y la fertilidad, las mujeres realizaban danzas rituales eróticas acompañadas de cantos y percusión mediante las cuales se ponían en trance. Esto les permitía entrar en contacto con la diosa y que ésta les pasase su poder.Asimismo, estos ritos o similares tuvieron lugar en Mesopotamia, fenicia, Egipto, Arabia y la India. En estas ceremonias participaban gran número de mujeres. En ellas se bailaba, se cantaba e incluso en algunas las mujeres se ofrecían a los hombres en honor a la diosa. El propósito de estas ceremonias era traer el poder de la diosa a la tierra y favorecer la fertilidad. Durante el S. IV D. C. el Cristianismo y el Islam pasaron a dominar el Medio Oriente. Aunque tomaron ciertas fiestas y ritos paganos y se los apropiaron adaptándolos a su nueva religión, también destruyeron los rituales con culto a las diosas y trataron de eliminar las danzas femeninas relacionadas con la sexualidad y fertilidad. Hace siglos, los bailarines, músicos y cantantes eran esclavos. Aunque este estatus luego cambió los intérpretes nunca escaparon totalmente del estigma atribuido a su profesión dentro de los países árabes.
Durante el S. XIX, en Egipto existían dos tipos de bailarinas: las ghawazee (gitanas) que bailaban al aire libre o en el campo, normalmente para audiencias de clase social baja. Actuaban con un pequeño grupo de músicos que solían incluir mizmar, nay y tabla. Las awalim eran mas respetadas y además de bailar, cantaban y recitaban poesía. Normalmente actuaban en casas de ricos. Los músicos eran: nay, oud, kanoon y tabla. En ambos casos la danza era improvisada.
Hasta el año 1930, los bailarines habían actuado sobre todo en casas de gente o en cafés. Ese año, en El Cairo, una mujer libanesa llamada Badia Mansabni abrió una sala de fiestas llamada Casino Badia. Esta sala se hizo muy popular. Tenía un programa diverso que se basaba en el oriente y ofrecía bailarines, cantantes, músicos, comediantes y números europeos. La danza oriental siempre se había bailado en espacios pequeños. En el Casino Badia tuvo que ser adaptada a escenarios grandes. Badia Mansabny además de formar a sus bailarinas trabajó con coreógrafos y bailarines europeos para incluir elementos de otras danzas (ballet). Estas bailarinas actuaban normalmente en grupos, aunque las que se destacaban por su talento hacían a veces un solo.
Durante esta época se puso de moda el traje de dos piezas con pedrería y flecos que estaba inspirado en las películas americanas.
En esos años se produjeron un montón de películas en Egipto y era habitual incluir alguna escena de danza o tener una bailarina como protagonista. Muchos cazadores de talentos iban al Casino Badia buscando bailarinas para estas escenas. Las bailarinas actrices tuvieron mucho éxito entre el público.
Muchas de estas bailarinas descubiertas en el Casino Badia llegaron a ser estrellas de cine muy populares y adquirieron un estatus que nunca antes habían tenido. Como Tahia Carioca, Samia Gamal, Naima Akef y Nadia Gamal. Actualmente, la danza Oriental en la mayoría de los países árabes es parte de la cultura y una celebración sin un espectáculo de danza oriental no está completo. En los países árabes donde mas se ha desarrollado en los últimos tiempos es en Egipto, Líbano y Turquía, aunque cabe destacar que también se ha desarrollado en algunos países europeos y de América debido a la emigración árabe, como en Alemania, Francia, Brasil y USA.
Las bailarinas famosas suelen bailar en los clubes de los hoteles de cinco estrellas, llevan una orquesta de al menos treinta músicos con instrumentos tradicionales y modernos. El vestuario suele ser exclusivo y el espectáculo está completamente coreografiado. El primer número suele ser una música especialmente compuesta para ellas seguido de una variedad de canciones populares.Algunas bailarinas famosas de hoy son: Fifí Abdú, Nagwa Fouad, Amani, Mona Said, Dina, Laila Haddad y Soraya Hilal.Prácticamente todas las mujeres árabes bailan raks báladi, aprenden desde niñas en las fiestas y reuniones familiares, pero son pocas las que se animan a ser profesionales, porque ser bailarina no está bien visto en una sociedad tradicional musulmana.
tomado de http://www.bellydance.com.ar/
otras fuentes
http://www.elojodehorus.com/cultural/mb00.asp
http://danza-arabe.net/danza.htm
http://www.infoarabe.com/dvhistoria.php
Danza Moderna
Con el transcurrir del tiempo todo evoluciona y cambia. Se buscan otras formas de relación y comunicación. La danza como lenguaje entre los hombres, en su crecimiento hace lo mismo, ya que debe responder a las formas de vida de cada época y lugar.
video sobre Historia: http://www.youtube.com/watch?v=OyEEdb9sZZ4&feature=related
A fines del siglo XIX, se genera un cambio en la danza por el desarrollo tecnológico e industrial de la sociedad. Se hacen cuestionamientos sobre la danza clásica, el ballet, por los temas y formas dancísticas que ya, para ese entonces, habían caído en un rigor técnico.En la búsqueda de esos cambios surge Isadora Duncan, norteamericana quien propone movimientos y ritmos naturales sin el rigor de la técnica, sin el uso de las zapatillas de punta, ya quede ellas menciona: “Son verdaderos instrumentos de tortura.”
Con los pies descalzos y de regreso al naturalismo esta gran artista utilizó el cuerpo de manera plástica, inspirándose en posiciones actitudes y gestos del arte griego, que admiraba en su arquitectura y cerámica dándole a la danza siempre un principio dinámico de extensión-relajamiento y libertad total para la creación del movimiento. Isadora Duncan fundó escuelas en Berlín, en París y en Moscú.
video de Isadora Duncan: http://www.youtube.com/watch?v=68mbHx32xsE
En Alemania a pesar de la guerra y el nazismo surgieron figuras como Rudolf Von Laban y Mary Wigman, que se desarrollaron en Estados Unidos.
Mary Wingman trabajó con la danza sin música, o acompañada únicamente con instrumentos de percusión, la tensión-relajamiento y la expresión a través del cuerpo. Para ella fue muy importante el espacio para crear coreografías.
video de Mary Wigman: http://www.youtube.com/watch?v=68mbHx32xsE
Otra aportación es la que hace Ruth St. Denis. Se inició como actriz, y en la danza le dio mucha importancia a los recursos teatrales. En sus representaciones interviene el misticismo, la contemplación, la religiosidad y la rareza. En ellas muestra interés por la cultura, la filosofía y las danzas orientales.
Un poco después Doris Humphrey y Martha Graham en Estados Unidos hicieron sus aportaciones a la danza moderna. Se basaron en un grupo de movimientos naturales.
Doris Humphrey dirigió especialmente su atención a la composición para conjuntos de bailarines. Utilizó zumbidos, tarareos y gritos expresivos acompañando a la danza moderna.
Con esta base musical buscaba que se tuviera mayor creatividad con un máximo de libertad.
Martha Graham incorporó movimientos de Occidente a la danza moderna, arrodillarse, ponerse en cuclillas, desplomarse, levantarse, etcétera, que ahora ya es común para nosotros. Empleó escenarios móviles, decoración fragmentaria y parlamentos unidos a la danza y el baile. En ella todo entra en juego, los ojos, el pelo y el vestuario. Su escuela de Nueva York es famosa mundialmente pues de ella han egresado famosos artistas y maestros de danza de diferentes universidades.
video de Martha Graham: http://www.youtube.com/watch?v=xgf3xgbKYko
En 1915 Ruth St. Denis y Ted Shawin organizaron la escuela Denishawn en Los Ángeles y en ella integran además recursos de la danza española e indo americana.
En la danza moderna cada parte del cuerpo, tiene una función específica sin que por ello se diga que no es tan rigurosa como en la danza clásica. En la técnica hay dos movimientos básicos que se ocupan en la danza moderna y que son llamados contraer y soltar, basados en el ritmo respiratorio, que es una de las varias expresiones de los principios dinámicos sobre los cuales trabaja la danza.
Cuando hay un dominio del movimiento del cuerpo y es menos limitada la expresión corporal, el espacio es el compañero potencial de la danza moderna y la interpretación es más libre cuando no se sujeta a un argumento y el bailarín hace el sentido al infinito y a la transformación que se pone de manifiesto; la concepción busca contacto con la naturaleza apropiándose físicamente de las formas primitivas.
video de Josephine Baker: http://www.youtube.com/watch?v=n4MqCcVXyQU&feature=related
La coreografía es más libre en el movimiento, ya que el cuerpo tiene mayor libertad de expresar todo lo que quiere, también aquí se ocupan líneas, cruces, saltos, cambios, giros, etcétera. Los movimientos son amplificados, los papeles principales o de conjunto son interpretados de diferentes maneras, con distintos tipos de movimiento; se mueven al unísono pero sin formar diseños específicos como en el ballet, esto les permite utilizar en su totalidad el cuerpo para expresar sus interpretaciones.
video de Alvin Ailey (otro moderno): http://www.youtube.com/watch?v=gWJzSP7irwM
1.El hombre y la danza, "Patricia Bárcena Alcaraz, Julio Zavala González, Graciela Vellido Peralta", Editorial Patria, Méjico. 1994
otras fuentes
http://www.danzar.com/mp/content/view/14/34/
(aquí dice danza contemporánea pero se refiere a Danza Moderna!!) : http://www.mipunto.com/temas/01/danza.html
Danza Contemporánea
Danza Contemporánea es un estilo de danza que se considera posterior al de la Danza Moderna, a partir de los años 60 hasta nuestros días.
Sin basarse en la Danza Clásica, este estilo termina de romper con las formas que en un momento fueron revolucionarias para la Danza Moderna. Esto colaboró de alguna manera a que no exista una técnica específica de Contemporáneo, sino varias "versiones" según las combinaciones de técnicas y/o trabajos corporales que se elijan como su fundamento.
Por lo tanto se puede decir que esta forma de danza es una combinación de elementos de Danza Moderna y de otras técnicas de movimiento como Cunningham technique,Graham technique,Contact Improvisation,Dance Improvisation,Hawkins technique,Humphrey-Weidman technique influenciado por José Limón,Laban Movement Analysis,Lester Horton Technique,Release Technique y Skinner Releasing Technique más una serie de técnicas de alineamiento como Yoga,Alexander Technique,Body-Mind Centering,Feldenkrais,Bartenieff Fundamentals,Klein Technique,Pilates,Kinesiology,Movement ecology,Gyrotonic and Gyrokinesis y Somatic Movement Studies.
video de José Limón: http://www.youtube.com/watch?v=dJfDBWoFxXs
Casi como consecuencia lógica se exploran nuevas formas de movimiento que van desde lo mas teatral hasta el movimiento puro, de usar música al silencio total, de bailar descalzos hasta usar zapatos de calle, aquí todo vale. Se usa tanto el piso (en forma de roles, espirales, acrobacias,..) como los giros y saltos mas convencionales.
(Hay diferencias evidentes entre la Danza Contemporánea y la Moderna, sin embargo, muchos sitios web continúan hablando como si fueran la misma cosa. Si bien es solo una cuestión teórica, lo mejor es informarse y sacar sus propias conclusiones)
video sobre Danza Posmoderna: http://www.youtube.com/watch?v=Xkt4yUkMnnk
video sobre Trisha Brown: http://www.youtube.com/watch?v=8x4rDGq0mck
otras fuentes
http://www.danzar.com/mp/content/view/14/34/
http://danza-arte.blogspot.com/2008/02/anlisis-comparativo-danza-moderna-y.html
Sin basarse en la Danza Clásica, este estilo termina de romper con las formas que en un momento fueron revolucionarias para la Danza Moderna. Esto colaboró de alguna manera a que no exista una técnica específica de Contemporáneo, sino varias "versiones" según las combinaciones de técnicas y/o trabajos corporales que se elijan como su fundamento.
Por lo tanto se puede decir que esta forma de danza es una combinación de elementos de Danza Moderna y de otras técnicas de movimiento como Cunningham technique,Graham technique,Contact Improvisation,Dance Improvisation,Hawkins technique,Humphrey-Weidman technique influenciado por José Limón,Laban Movement Analysis,Lester Horton Technique,Release Technique y Skinner Releasing Technique más una serie de técnicas de alineamiento como Yoga,Alexander Technique,Body-Mind Centering,Feldenkrais,Bartenieff Fundamentals,Klein Technique,Pilates,Kinesiology,Movement ecology,Gyrotonic and Gyrokinesis y Somatic Movement Studies.
video de José Limón: http://www.youtube.com/watch?v=dJfDBWoFxXs
Casi como consecuencia lógica se exploran nuevas formas de movimiento que van desde lo mas teatral hasta el movimiento puro, de usar música al silencio total, de bailar descalzos hasta usar zapatos de calle, aquí todo vale. Se usa tanto el piso (en forma de roles, espirales, acrobacias,..) como los giros y saltos mas convencionales.
(Hay diferencias evidentes entre la Danza Contemporánea y la Moderna, sin embargo, muchos sitios web continúan hablando como si fueran la misma cosa. Si bien es solo una cuestión teórica, lo mejor es informarse y sacar sus propias conclusiones)
video sobre Danza Posmoderna: http://www.youtube.com/watch?v=Xkt4yUkMnnk
video sobre Trisha Brown: http://www.youtube.com/watch?v=8x4rDGq0mck
otras fuentes
http://www.danzar.com/mp/content/view/14/34/
http://danza-arte.blogspot.com/2008/02/anlisis-comparativo-danza-moderna-y.html
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